Justine Triet : « Dans un procès, on délire beaucoup de choses »

Le créateur de la Queer Palm, ce prix cannois qui récompense depuis 2010 des films à thématiques LGBTQ+ toutes sélections confondues, également corédacteur en chef de FrenchMania et journaliste à Têtu, nous parle des premiers films qui ont fait battre son petit cœur queer.

[MOTS-CROISÉS] Son nouveau film, « May December », est en Compétition à Cannes au moment où le Centre Pompidou lui consacre une rétrospective intégrale. Pionnier du New Queer Cinema, auteur de mélodrames post-modernes (« Loin du paradis »), de biopics musicaux détraqués (« Velvet Goldmine », « I’m Not There »), de films d’amour tempétueux (« Carol ») et de films d’enquête ravageurs (« Dark Waters »), l’Américain Todd Haynes a toujours porté la contre-culture en étendard pour mieux la réinventer. On a soumis à cet artiste polymorphe des citations qui résonnent avec sa part la plus wild.

Depuis trente ans, elle envoûte le cinéma d’auteur français de sa voix suave. En juin, Jeanne Balibar fait une apparition décadente dans "Le Processus de paix" d’Ilan Klipper, et signe un troisième album fougueux, D’ici là tout l’été. Loin de l’image intello qui lui colle à la peau, la plus musicienne des comédiennes nous a parlé de son goût sportif pour le jeu et le débat.

Depuis le sidérant « Hérédité » en 2018, le trentenaire new yorkais compose un cinéma d'auteur horrifique marqué par l’atavisme et le poids de l’ascendance. Après « Midsommar », qui se déroulait dans une Suède emplie de traditions flippantes, il revient avec « Beau is Afraid », une odyssée kafkaïenne aux tréfonds de l’esprit tourmenté d’un Joaquin Phoenix en pleine crise œdipienne. En juin dernier, alors qu’il était de passage au Champs-Elysées Film Festival, on avait discuté avec le cinéaste de transmission et d’héritage, tant cinématographique que familial.

Les ressorties concomitantes de « Sois-belle et tais-toi » et de « Jeanne Dielman, 23, quai du commerce, 1080 Bruxelles » jettent cette année la lumière sur les visages multiples de Delphine Seyrig – actrice éthérée, icône moderniste, cinéaste militante et visionnaire, qui a traversé son époque avec lucidité et grâce. Jean-Marc Lalanne, rédacteur en chef aux Inrockuptibles, fait résonner sa voix et ses combats dans « Delphine Seyrig. En constructions », un essai amoureux publié aux éditions Capricci. Rencontre.

Le comédien de 45 ans, révélé en 2009 chez Quentin Tarantino, a imposé son jeu magnétique et son regard doux dans le cinéma d’auteur français (on se souvient de sa performance glaçante dans Jusqu’à la garde de Xavier Legrand) et anglo-saxon (il sera bientôt dans le nouveau Ari Aster). À l’affiche, cet été, de l’époustouflant thriller As bestas de Rodrigo Sorogoyen et du mélodrame Peter von Kant de François Ozon, l’acteur a partagé une burrata avec nous, le temps de nous raconter son parcours atypique.

Révélée en 2017 avec le gore "Grave", à l’écho international, Julia Ducournau était attendue au tournant. Virage négocié avec le débridé "Titane", en Compétition à Cannes. Ce bel et monstrueux engin met en scène une danseuse killeuse greffée au titane et articule tuning organique, pompiers homoérotisés, Vincent Lindon bodybuildé, injections de testo et réflexions queer sur la parentalité. Sans trop en dévoiler, Ducournau nous parle de ce que ce film a sous son brillant capot.

Dans le beau et troublant « Les Âmes sœurs » d’André Téchiné (en salles le 12 avril), Benjamin Voisin campe avec une grande subtilité le rôle d’un jeune homme, de retour chez lui dans les Pyrénées, après un accident survenu lors d’une mission militaire au Mali, qui lui a fait perdre la mémoire. Aux côtés de sa sœur Jeanne (bouleversante Noémie Merlant), il doit réapprendre à vivre et surtout à gérer les émotions incontrôlables qui le submergent. Un rôle plus torturé qu’à l’accoutumée, qui nous a donné envie de sonder les évolutions de jeu du comédien de 26 ans, qui instille souvent dans ses rôles de beaux garçons sûrs de leur charme une once d’étrangeté. Rencontre.

Voilà plus de dix ans que Sophie Letourneur, affiliée à la jeune génération de cinéastes français·es révélée dans les années 2010, réalise joyeusement ses films, avec un goût prononcé pour la trivialité des situations du quotidien et l’étude des liens affectifs. Après avoir déboulonné le fantasme de la grossesse/maternité dans « Enorme », c’est au couple et en particulier à la conjugalité que la cinéaste s’attelle dans son délicieux et pluriel « Voyages en Italie » où elle joue à l’actrice, aux côtés de Philippe Katerine, protagoniste idéal d’un cinéma aussi généreux que faussement nonchalant.

Dans « Voyages en Italie » de Sophie Letourneur, Philippe Katerine interprète un Parisien émoussé qui part passer quelques jours de vacances en Sicile avec sa compagne. Sans ses enfants, mais avec des soucis logistiques de tous ordres, le couple va se livrer à un état des lieux de ses sentiments et de ses désirs. Relecture contemporaine du « Voyage en Italie » de Roberto Rossellini, cette séduisante comédie nous a donné envie de faire réagir le comédien chanteur à des citations ayant trait au tourisme et à l’amour.

Il est l’acteur français que tout le monde s’arrache en ce moment. Récemment à l'affiche de « Pour la France » de Rachid Hami, et avant la sortie de « C’est mon homme » de Guillaume Bureau, Karim Leklou fascine dans le rôle d'un voyant charlatan dans l'entêtant « Goutte d'or » de Clément Cogitore, en salles depuis le 1er mars. Des rôles très différents, mais souvent taciturnes, auxquels l’acteur parvient à donner une densité impressionnante, presque troublante. Rencontre.

Les portraits documentaires de Laura Poitras nous passionnent parce qu’ils allient l’intime à la confrontation directe au pouvoir. Dans l’édifiant « Citizenfour », Oscar du meilleur documentaire en 2015, elle filmait le lanceur d’alerte Edward Snowden sur le point de dévoiler le scandale de la surveillance de masse aux États-Unis. Aujourd’hui, avec le tranchant « Toute la beauté et le sang versé » (Lion d’or au Festival de Venise), elle retrace la vie de la photographe et figure de la contre-culture Nan Goldin et la suit dans son combat pour mettre en lumière les puissants responsables de la crise des opioïdes. Rencontre avec une cinéaste qui, comme celles et ceux qu’elle filme, s’affirme en briseuse de silence.

DIVINE GANG, c’est notre nouvelle rubrique pour projeter les visions féroces, trash, camp, DIY, excessives, ou romantiques, à l’image de la plus incendiaire des drag queen : Divine, l’icône du cinéma de John Waters. Pour lancer les festivités : notre entretien avec le daddy queer ultime Gregg Araki, après la présentation à Sundance de la version restaurée de son culte « The Doom Generation».

Héroïne cette semaine de « Mon Crime », comédie policière de François Ozon où elle incarne une jeune actrice des années 1930 accusée du meurtre d’un producteur, Nadia Tereszkiewicz n’en finit plus d’enchaîner les rôles éclatants. Alors qu’elle vient de recevoir le César du meilleur espoir féminin pour « Les Amandiers » et qu’elle sera bientôt à l’affiche de « La Dernière reine » de Damien Ounouri et Adila Bendimerad ou de « L’Île rouge » de Robin Campillo, la comédienne de 26 ans, grande amoureuse des voyages dans le temps que permet le cinéma, nous a parlé de ses différentes expériences de tournage, de la gestion de son image à l'ère des réseaux sociaux et de son attirance pour les films européens.

Avec « Notre Corps », en sélection Forum à la Berlinale, la cinéaste française livre un documentaire époustouflant en forme d’odyssée des corps, particulièrement féminins, à l’hôpital public. Soit un trajet de la naissance à la mort en passant par une infinité de tournants heureux ou malheureux – accouchement, endométriose, transition de genre, PMA, FIV, cancer du sein -, le tout filmé avec le tact et la douceur dont Claire Simon a le secret. Elle s’est confiée à nous sur ce nouveau film, sans doute son plus intime en ce que surgit, en plein milieu du documentaire, l’impensable : le diagnostic de la propre maladie de la cinéaste.

Dans un très beau premier long métrage hanté, présenté à la Quinzaine, l’Espagnole Elena López Riera raconte l’été d’Ana, ado qui doit gérer une rumeur : certaines femmes de sa famille auraient « l’eau en elles ». Lorsque la rivière déborde, celles-ci seraient comme appelées pour y être englouties…. La cinéaste nous a parlé de l’origine de ces mythes, du poids de l’héritage, et des raves sublimes qui peuplent son film.

Le philosophe signe son premier film, « Orlando. Ma biographie politique », présenté en clôture au Festival Cinéma du Réel ce dimanche 2 mars. Un essai très libre, entre fiction et documentaire, qui imagine d’autres manières d’envisager la transidentité - et l’identité tout court - en s’inspirant du roman « Orlando » de Virginia Woolf, publié en 1928. On a discuté avec Paul B. Preciado de cette œuvre politique et poétique, qui bouscule les codes en douceur et propose de nouvelles utopies.

Avec « Amore Mio », le premier long de Guillaume Gouix, l’actrice fait son grand retour. Ferme et résolue, elle donne en même temps à son personnage une douceur et une mélancolie frappantes face à la tornade incarnée par Alysson Paradis (sa sœur dans le film, qui vit de façon chaotique la mort du père de son enfant). L’année 2023 sera riche pour l’actrice, que l’on avait un peu perdue de vue. L’occasion de revisiter le passé avec celle qui fut l’un des visages les plus lumineux du cinéma français des années 1990, et a contribué à donner un nouveau souffle contemporain à l’image désuète de la jeune fille. On a discuté avec elle de ses débuts, de ses rencontres et de son rapport au temps qui file.

Complice de Chantal Akerman à la vie comme à l’écran, dirigée par Claude Chabrol ou Wim Wenders qui lui confièrent des rôles évanescents, la comédienne de 77 ans est aussi une amoureuse des mots. À l’occasion de la parution du livre « Une femme sans fin s’enfuit  », conçu avec Mathieu Terence et Peter Wyss à partir d’une séance photo réalisée en 1972, cette grande actrice se confie.

Visage malicieux de la Nouvelle Vague, comédienne de théâtre audacieuse, écrivaine et fidèle accompagnatrice de talents… À 82 ans, la fringante Macha Méril n’a rien perdu de la rébellion joyeuse de ses 20 ans. Alors que paraît son livre « L’Homme de Naples », sur son histoire d’amour mouvementée avec le grand photographe italien Luciano D’Alessandro, et avant une grande rétrospective organisée à la mi-décembre par la Cinémathèque française autour de la Nouvelle Vague, on l’a rencontrée dans son salon, entourées de tableaux abstraits et d’un camaïeu de fleurs roses et rouges. L’inclassable artiste remonte avec verve le fil de ses beaux souvenirs, engagés et amoureux.

Avec « Shame », le vidéaste britannique Steve McQueen creuse la veine organique et claustrophobe de son premier long métrage, le remarqué « Hunger » (2008), en même temps qu’il en inverse le dispositif. Là où les corps des prisonniers, dans Hunger, étaient instrumentalisés à des fins de libération politique, la sexualité débridée du héros de « Shame », Brandon, se retourne contre lui – jusqu’à le confiner dans une prison émotionnelle sans issue. À la cellule irlandaise de l’activiste Bobby Sands répond le New York interlope de Brandon, filmé comme une geôle à ciel ouvert, dont les transparences et les reflets font chuter le sex addict. Entretien avec le maître des lieux, l’impassible McQueen.